워니월드

불꽃처럼 나비처럼

- 뮤지컬 에비타 review –

공연 일시: 2011년 12월 17일(토) 오후 3시 / 2012년 1월 5일(목) 오후 8시

공연장: LG아트센터

연출: 이지나

캐스트: 에바 페론(리사/정선아), 체(이지훈/임병근), 후안 페론(박상원/박상진), 마갈디(박선우)

Don’t Cry for Me Argentia!

아르헨티나가 지구 어느 곳에 위치한 나라인지도 몰랐던 꼬맹이 어린 시절, 라디오(였는지 TV였는지 사실 기억이 정확하지 않습니다)에서 종종 흘러나오던 이 애절한 노래에 매혹되었던 기억이 납니다. 그 어린 나이에도 너무도 절절히 느껴지는 노래의 슬픔에 ‘도대체 어떤 사람이길래 나라 전체가 애도의 눈물을 흘리는 것일까’ 궁금해 했던 것 같습니다(하긴 꼬맹이의 기억에 그 노래를 들었던 그 즈음 어느 때, 꼬맹이의 나라에도 온(?) 국민이 슬퍼했던 독재자의 죽음이 있었습니다 ㅡㅡ;) 꼬맹이가 에바 페론이라는 실존 여인이 그 노래 속 애도의 대상이란 것을 알게 된 것은 한참 후의 일입니다.

뮤지컬 <에비타>는 아르헨티나를 울린 바로 그 여인, 에바 페론의 극적인 삶과 죽음을 다루고 있습니다.

나는 어떤 의미였을까? 난 무엇을 원했고 무엇을 남겼을까?

수많은 아르헨티나 민중의 애도 속에 치러진 에바의 성대한 장례식 장면 후 뮤지컬 <에비타>는 20세기의 신화적 정치인 중 하나로 기억되는 에바 페론에 대한 진실을 고찰하기 위하여 그녀의 어린 시절로 플래쉬백합니다.

귀족의 사생아로 태어난 촌뜨기 소녀, 에바는 자신의 유일한 자산인 아름다운 몸을 무기로 스타배우, 사교계의 꽃을 거쳐 마침내 퍼스트레이디의 자리에까지 오르지만 권력과 대중의 사랑에 대한 그녀의 욕망은 멈출 줄을 모릅니다. 아이러니하게도 그녀의 끝없는 욕망에 제동을 건 것은 그녀의 찬란한 비상을 이끌었던 아름다운 육신에 찾아 온 죽음의 병마였습니다.

지저스 에비타 슈퍼스타

설명이 필요 없는 거장, 앤드류 로이드 웨버의 음악은 에바라는 욕망의 화신, 그리고 그녀의 드라마틱한 삶에 완벽하게 조응합니다. 웨버의 환상적인 스코어가 없었다면 뮤지컬 <에비타>는 자칫 에바 페론의 일생을 쫓는 밋밋한 작품이 되었을 지도 모릅니다.

이번 라이선스 공연은 ‘에바의 에바에 의한 에바를 위한’ 작품이었다고 해도 과언이 아닙니다.

이지나 연출은 무대 위 가능한 모든 방법을 동원하여 눈부시게 빛나는 에바를 표현했습니다. 이지나 특유의 미니멀한 무대 연출은 그 어느 때보다 효과적이었습니다. 일체의 오브제를 배제한 채 강렬한 전광 보드를 배경으로 한 에바의 여신 같은 등장, 무대 중앙 가장 높은 계단을 천천히 오르는 여왕의 등극은 이번 <에비타>공연의 가장 인상적인 장면이었습니다. 공연 내내 에바를 향한 스포트라이트는 끊임없이 아낌없이 쏟아집니다. 이는 당대 아르헨티나의 정치 사회적 현실 속 의미와 상관없이 강인했던 한 여인의 거침없는 자기 욕망 추구에 보내는 경의의 표현일 것입니다.

난 언제나 특별하게 빛이 나

뮤지컬 <에비타>의 영화화 당시, 에바 역을 탐낸 당대 헐리우드 스타 여배우들의 경쟁은 그 자체로 큰 화제가 된 바 있습니다(이 캐스팅 전쟁의 승자는 위풍당당 팝의 여제 마돈나였습니다!)

이번 라이선스 공연에서 여배우라면 누구라도 탐낼 에바 역의 영광을 차지한 리사와 정선아는 기대에 충분히 값하는 연기를 보여 주었습니다.

특히 정선아의 퍼포먼스는 누구도 대체 못할 경지의 그것이었습니다. 정선아는 그녀 외의 나머지 배우 모두를 앙상블로 만들어 버리는 마술 같은 무대 장악력을 보여 주었습니다. 맹랑한 소녀에서 치명적 매력의 요부로 권력을 휘두르는 악녀에서 빈민들의 성스러운 천사로 자유자재로 변신하는 그녀의 연기에서 한시도 눈을 뗄 수가 없었습니다. 마치 에바가 그녀 성공의 제물이 된 남자들을 홀리듯 정선아는 압도적인 연기와 노래로 관객을 홀렸습니다.

상대적으로 ‘체’의 존재감이 희미해지면서 에바를 보는 시각의 균형이 깨져 버린 것은 이번 공연의 아쉬움입니다(리사와 이지훈의 경우는 그나마 나은 편이었으나 정선아와 공연한 임병근은 자신의 대사와 노래를 소화하기에 급급했습니다)

뮤지컬 <에비타>는 자신의 성공을 위해 수많은 남자들에게 몸을 던진 창녀도 가난하고 힘없는 민중을 진심으로 사랑한(다고 굳게 자기 최면을 걸었던) 성녀도 모두 에바 페론의 모습이었음을 부인하지 않습니다. 자신의 욕망과 신념에 충실했던 한 여인의 불꽃 같은 성공과 추락을 경의와 연민의 눈으로 바라보는 것으로 그녀에 대한 평가와 해석을 대신합니다.

이 리뷰는 오픈리뷰 사이트에서도 보실 수 있습니다

공연 일시: 2011년 1월 20일(목) 오후 8시

공연장: 성남아트센터 오페라하우스

캐스트: 옥주현(아이다), 김우형(라다메스), 정선아(암네리스), 김호영(메렙), 문종원(조세르)

Every ‘Disney’ Story is a growing-up Story

뮤지컬 <아이다>의 제작사는 ‘디즈니’입니다. <미녀와 야수>, <라이언킹> 등 자사 애니메이션의 뮤지컬 공연 성공에 한껏 고무된 디즈니가 <라이언킹>의 콤비 엘튼 존과 팀 라이스를 다시 내세워 이번에는 자사 애니메이션이 아닌 유명 오페라 작품을 뮤지컬로 창작한 것이죠. 사실 ‘판타지아’부터 ‘알라딘’까지 디즈니 애니메이션의 대부분 작품이 뮤지컬(혹은 현대판 뮤지컬인 MTV)적인 요소를 빼놓지 않고 있었으니 결코 디즈니의 뮤지컬 업력을 만만히 볼 수는 없습니다.

뮤지컬 <아이다>는 원작 애니메이션은 없지만 철저하게 디즈니적인 주인공의 디즈니스러운 이야기입니다. 강한 호기심을 가진 아름답고 용감한 당돌 소녀, 아이다는 디즈니 애니의 주인공들(뮤리엘, 벨, 뮬란 등)을 쏙 빼닮은 자매로 또 다른 자매, 포카혼타스처럼 침략자와의 운명적 사랑에 빠지고 맙니다. 그리고 모든 디즈니 애니가 그러하듯이 <아이다>의 가장 큰 주제는 사랑과 우정을 통한 ‘성장’입니다. 아이다는 시련 속의 사랑을 통해 공주로 여인으로 성장하며 라다메스는 보편적 인류애를 깨닫습니다. 실연의 상처는 암네리스에게 진정한 군주의 위험을 부여합니다.

그러니까 강렬한 키스신도 있고 섹스신까지 암시되지만 기본적으로 <아이다>는 디즈니적인 교훈의 안전한 성장스토리에 다름 아니라는 거!

아름다운 음악과 색채의 향연

록앤롤과 리듬앤블루스, 소울 뮤직 심지어 가스펠까지 다양한 스펙트럼을 아우르는 <아이다>의 넘버들은 ‘팝의 거장’ 엘튼 존의 작품답게 귀에 착착 감겨 듭니다. 엘튼 존은 흑인 영가와 록앤롤을 각각 누비아와 이집트의 음악 컨셉으로 잡음으로써 두 진영을 음악적으로 선명하게 구분하는 기능적 역할 또한 놓치지 않습니다.

주인공들의 심경을 고스란히 표출하는 사랑의 발라드(‘How I Know You’, Written In The Stars, I Know The Truth)들은 때로는 애절하게 때로는 달콤하게 듣는 이의 가슴을 치며, 가스펠 ‘The Gods Love Nubia’를 듣노라면 누비아 노예들의 고단한 삶과 고향에 대한 그리움이 손에 잡힐 듯 그려집니다.

이 뮤지컬의 최강 넘버(Aida’s Strongest Song)는 단연코 ‘Dance Of The Robe’입니다. 이 노래는 그 자체로 기승전결의 드라마를 완성하고 있으며, 누비아 노예들의 역동적인 군무와 함께 어우러지면서 쉬이 잊을 수 없는 장면을 만들어 냅니다. 자유로운 모험과 사랑을 쫓던 누비아의 노예 ‘소녀’, 아이다가 백성들의 열망을 받아 들여 ‘공주’의 무게를 감당하기로 결정하는 순간은 이 작품의 절정입니다.

‘Dance Of The Robe’의 대척점에 있는 ‘Another Pyramid’는 라다메스의 아버지, 조제르의 음흉한 권력욕을 드러내는 곡으로 제복을 입은 이집트 병사들의 절도 넘치는 군무와 멋지게 어우러집니다. 또한 경쾌한 스윙풍의 록앤롤 ‘My Strongest Suit’도 빼놓을 수 없습니다. 이집트 최고의 셀러브레티, 암네리스 공주가 시녀들과 함께 노래하는 이 장면은 팝 아트를 연상시키는 화려한 조명, 의상, 배경과 더불어 색다른 볼거리를 선사합니다.

아름다운 음악과 함께 <아이다>의 스펙터클을 완성하는 것은 강렬한 원색의 조명과 무대입니다.

<라이언킹>의 노하우를 바탕으로 한층 화려하고 세련되게 업그레이드된 조화로운 원색의 향연은 관객의 눈을 쉴 새 없이 자극하면서 이 작품의 아름다운 노래와 안무를 더욱 값진 볼거리로 만들어 줍니다.

자신만만 정선아의 위엄

<시카고>, <42번가>, <몬테크리스토>를 거치며 최정상의 뮤지컬 여배우로 우뚝 선 옥주현의 노래와 연기는 나무랄 데가 없었습니다. 특히 이 공연의 절정 ‘Dance Of The Robe’에서의 퍼포먼스는 보는 이를 전율시키는 강렬함이 있습니다. 하지만 흠잡을 것 없는 모범생의 깔끔한 연기였을 뿐 공연 전체적으로는 좌중을 압도하는, 무대를 휘어 잡는 카리스마가 느껴지지 않는 점은 아쉬움으로 남습니다.(그녀가 연기한 ‘시카고’의 록시 역시 무난하지만 2% 부족한 느낌이었습니다)

암네리스 정선아는 2005년 국내 초연 당시 어린 나이 때문에 오디션에 떨어졌던 아쉬움을 120% 날려 버리는 놀라운 즐거움을 선사합니다.

<드림걸즈>, <모차르트!>에서 확인된 그녀의 시원한 가창력은 또 한번 진화했으며 사랑 밖에 모르는 철없는 공주에서 실연의 아픔을 겪는 여인, 그리고 대제국의 군주로의 변모를 설득력 있게 제시합니다. 특히 암네리스를 패리스힐튼처럼 장난스럽게 묘사한 ‘My Strongest Suit’ 장면에서 그녀의 춤과 노래는 절로 관객의 탄성을 자아냅니다.

불과 스물일곱의 이 어린 여배우가 벌써부터 여유롭고 자신만만한 모습으로 자신의 무대를 완벽하게 장악하는 모습은 경악스럽기까지 합니다.

오디션 당시 회자되었던 차지연의 아이다 캐스팅이 성사됐다면 어땠을까 상상해 봅니다. 다른 건 몰라도 ‘위풍당당’ 차지연과 ‘자신만만’ 정선아가 부딪히는 순간의 긴장감만큼은 최고가 아니었을까 괜히 기대하게 되네요^^

호강하는 눈, 귀와 달리 침묵하는 가슴의 울림

엘튼 존이 창조한 명품 넘버들과 최고의 안무, 그리고 강렬한 빛의 향연이 어우러지는 뮤지컬 <아이다>는 중독성 강한 스펙터클입니다. ‘Dance Of The Robe’와 ‘My Strongest Suit’ 이 두 장면 만으로도 이 작품은 필견의 가치가 있습니다.

분명 <아이다>는 보는 이의 눈과 귀를 매혹시키는 아름다운 쇼 스펙터클이지만, 아쉽게도 마음을 움직이는 감동은 느껴지지 않습니다. ‘전설적 러브스토리’라는 홍보문구가 무색할 정도로 말이죠.

바로 이 점이 디즈니(가 제작한) 뮤지컬의 한계가 아닌가 싶습니다. 디즈니의 창작에 있어 ‘해피엔드’는 절대 원칙 중에서도 철칙입니다. 그 기준 하에 이미 많은 동화와 신화들을 해피엔딩으로 각색해 온 디즈니지만 베르니의 고전 오페라, 그것도 역사에 기반한 창작을 함부로 손댈 수는 없었던가 봅니다. 결국 디즈니는 시공을 넘어선 사랑의 완성이라는 작위적인 해피엔드를 덧붙이는 자충수로 비극이 주는 카타르시스를 스스로 포기한 것이죠.

그렇다 하더라도 그 이유 때문에 <아이다>를 외면하는 건 영리한 선택은 아닐 것입니다. 누가 머래도 <아이다>의 스펙터클이 주는 ‘감탄'은 어지간한 작품의 ‘감동’보다 몇 배 더 가치가 있습니다.

록 미 아마데우스

- 뮤지컬 ‘모차르트!’ Review –

고전 음악의 거장 모차르트 하면 가장 먼저 떠오르는 것이 1985년 오스카를 석권한 영화 <아마데우스>에서 모차르트를 연기한 톰 헐츠의 경박하기 짝이 없는 기묘한 웃음소리입니다. 체코 출신의 거장 밀로스 포먼이 천재 모차르트와 범인 살리에르의 대결 구도로 풀어 낸 이 영화는 평단과 대중의 지지를 동시에 획득했고 이후 모차르트의 대중적 이미지를 강렬하게 결정지어 버렸었죠.

뮤지컬 ‘모차르트!’의 공연 소식에 즉각적으로 연상된 것 역시 영화 <아마데우스>와 그 영화 속 모차르트의 모습이었습니다. 역시나 영화 <아마데우스>와 일정 부분 교차되는 지점도 있긴 하지만 뮤지컬 ‘모차르트!’의 이야기는 보다 다층적이고 풍부합니다.

볼프강 아마데우스 더 슈퍼스타

기존의 권위를 부정하며 끊임없이 예술과 삶의 자유를 갈구하는 뮤지컬 ‘모차르트!’ 속 볼프강의 모습은 현대의 천재 대중 음악가들과 흡사합니다. 그것도 메인스트림의 슈퍼스타가 아닌 비운의 언더그라운드의 천재들과 많이 닮아 있는 걸 느낍니다. 실제로 현실과 괴리하며 35살의 나이에 요절한 볼프강의 생애에서 주류로의 투항을 거부하고 스스로 목숨을 끊은 커트 코베인을 떠올린다면 지나친 비약일까요? 볼프강에게 레게 헤어 스타일과 찢어진 구제 청바지를 부여한 것은 단순히 겉멋만은 아닐 것이라 생각합니다. 얼핏 영화 <아마데우스> 속 범인 대 천재의 대결을 변주한 것처럼 보이는 콜로레도 대주교와의 대립 역시 사실은 기존 권위에 대한 볼프강의 저항의식을 더욱 강렬하게 보여 주기 위한 장치처럼 보입니다. (제작진이 의도한 건 아니겠지만) 텍스트 바깥의 이야기이지만 이 지점에서 동방신기 멤버 김준수의 볼프강 역 캐스팅이 흥미롭습니다. 권력으로 볼프강을 소유하고 자기 뜻대로 지배하고자 하는 봉건 대주교의 모습에 아이돌 스타를 계약으로 옮아 매고자 하는 현대 거대 자본의 연예기획사가 겹쳐 보이기 때문이죠.

그래서 ‘모차르트’는 18세기 유럽을 배경으로 하고 있지만 매우 모던한 이야기로 읽혀집니다.

한편 뮤지컬 ‘모차르트’는 아버지와 아들의 관계를 중심으로 한 천재의 성장 스토리이기도 합니다. 볼프강의 아버지 레오폴드는 자신의 천재 아들에 대해 깊은 애정을 품고 있지만 때문에 그 이상으로 아들의 재능을 자신의 범주 안에서 훈육하고 재단하려 합니다. 볼프강은 아버지라는 커다란 울타리 안에서 갈등하고 고뇌하지만 기어이 자신의 삶과 예술을 추구합니다. 아버지가 드리운 커다란 억압의 그늘은 그를 죽음으로 몰고 가는 원인 중 하나가 되지만 또한 그 그늘을 벗어 나려는 노력이 그의 정신을 독립시키고 예술을 완성시키는 동력이 되는 것이죠.

이렇듯 천재 음악가의 삶을 다룬 팩션 뮤지컬 ‘모차르트’는 보편성을 띈 현대적인 이야기로 관객에게 제시됩니다.

전율의 보컬! 무대와 조명의 마술

어찌 보면 볼프강 모차르트의 삶을 연대기 순으로 밋밋하게 따라 가는 이 작품에 커다란 감동을 실어 주는 것은 주옥 같은 넘버들과 28인조 오케스트라의 연주에 맞춰 그 곡을 완벽하게 소화하는 배우들입니다.

볼프강에게 더 큰 세상에서 재능을 펼칠 것을 애정으로 충고하는 발트슈테인 남작부인의 노래 ‘황금별’은 신영숙의 맑고 풍부한 가창 그 자체로 감동입니다. 아들 볼프강에 대한 레오폴드 서범석의 사랑과 훈육의 양가적 감정은 ‘마음 굳게 먹어라’에서 절제된 목소리로 하지만 절절하게 표현됩니다. 극 초반 ‘나는 음악’으로 음악 신동의 자존을 교만하게 노래한 볼프강 임태경은 자유로운 삶과 예술에 대한 강렬한 의지를 토해내는 록 넘버 ‘내 운명 피하고 싶어’로 1부의 대미를 장식합니다.(개인적으로 이 장면이 이 뮤지컬의 클라이맥스라고 생각합니다)

이 외에도 볼프강과 콘스탄체(정선아)의 발라드 ‘사랑하면 서로를 알 수가 있어’, 볼프강의 누이 닌넬(배해선)의 애잔한 넘버 ‘왕자는 떠났네’ 등 락과 발라드, 재즈를 아우르는 전곡 모두 높은 완성도를 지니고 있습니다. 아, ‘모차르트 모차르트’를 위시한 앙상블들의 합창곡도 절대 빼놓을 수 없는 절창입니다.

타이틀롤부터 앙상블까지 전율의 가창력과 뛰어난 연기 호흡을 보여 주는 이 작품에서 또 반드시 언급해야 하는 건 무대와 조명입니다. 채워야 할 때와 비워야 할 때를 정확히 아는 무대 연출과 인물들의 감정과 오케스트라 연주의 리듬을 쫓아서 천변만화하는 조명은 관객들이 배우들의 연기와 노래에 완벽하게 빠져들도록 합니다. 이 놀라운 마술의 지휘자는 우리 뮤지컬 ‘로미오와 줄리엣’에서 역시 탁월한 무대와 조명을 연출했던 유희성 서울시뮤지컬단장입니다.

오픈 전부터 여러 이슈로 팬들의 이목을 집중시켰던 뮤지컬 ‘모차르트!’는 그 관심과 기대 이상의 재미와 감동을 안겨 준 수작임에 틀림없습니다. 매 장면 장면마다 터져 나오는 관객들의 탄성과 박수 소리가 이를 확실하게 증명합니다!

<뮤지컬 모차르트!, 2010년 1월 24일 7시, 세종문화회관 대극장>